Apparatjik in der Presse

  • Hatten wir das schon?


    Auf Einladung der Neuen Nationalgalerie in Berlin präsentiert Apparatjik sein erstes großes Einzelprojekt in Deutschland. Das transmedial arbeitende Künstlerteam wurde 2008 von international bekannte Größen der Musikszene gegründet: Guy Berryman, Jonas Bjerre, Magne Furuholmen und Martin Terefe.


    Das Kollektiv versteht sich als eine experimentelle Plattform und und kooperiert mit vielen anderen Künstlern, Medientechnikern, Designern sowie Wissenschaftlern.


    Der Name des Künstlerkollektivs, Apparatjik, bezieht sich auf das selbige russische Wort Apparatschik, welches ursprünglich einen Parteifunktionär der kommunistischen Partei bezeichnete. Ein Apparatschik ist auch eine Person, die ein Hindernis in einem bürokratischen Apparat darstellt. Auch Apparatjik selbst positioniert sich als Hindernis und setzt sich bewusst in die Zwischenräume verschiedenster kreativer Bereiche. Apparatjik initiiert und forciert interdisziplinäre Zusammenarbeit, vor allem in den Bereichen der Musik, bildenden Kunst, Wissenschaften, aber auch Mode und Film. Apparatjik sieht sich als ein Kollektiv, das sich permanent ausdehnt und wieder zusammenschrumpft, offen für Kollaborationen. Alle Vorgänge und Ereignisse Apparatjiks werden vom sogenannten „Eye-On Committee“ überwacht, welches als selbst auferlegter Kontrollmechanismus fungiert, aber auch als Kommunikator, der zu allen spricht, die auch ein Apparatjik werden möchten.


    Apparatjiks erster öffentlicher Auftritt war im club transmediale in Berlin im Januar 2010. Weitere Auftritte folgten auf dem Flø Festival in Norwegen im Juni 2010 sowie in der Serpentine Gallery, London im September 2010.
    Unter dem Titel The Apparatjik Light Space Modulator wird ein stark von Film- und Medienprojektionen geprägtes Werk in Berlin vorgestellt. Zum einen wird in der oberen Halle des Museums zwei Wochen lang eine Installation zu sehen sein, zum andren werden drei außergewöhnliche Konzerte in unterschiedlicher Zusammensetzung an diesem Ort stattfinden.


    Die Aufführungen knüpfen in ihrer medialen und performativen Ausrichtung an die visuellen Experimente von Lászlo Moholy-Nagy an, der wie Mies van der Rohe am Bauhaus lehrte. Das Zentrum von Performance und Installation ist ein Projektionskubus, der bewegte Bilder durch die offene Glashalle der Neuen Nationalgalerie in den Stadtraum ausstrahlt.


    Zum Abschluss des Projektes am 27. März wird Apparatjik eine interaktive Komposition in Zusammenarbeit mit dem Deutschen Kammerorchester aufführen. Das Konzert ist Mies van der Rohe zum 125. Geburtstag gewidmet.


    Die Konzerte am 12., 26. und 27. März beginnen jeweils um 21 Uhr.
    Tickets können Sie hier im Ticketshop bestellen.




    Die Installation „Apparatjik TV“ ist zu sehen vom 13.-25. März 2011
    Di, Mi, Fr 10-18 Uhr, Do 10-22 Uhr, Sa + So 11-18 Uhr.


    Zur Eröffnung erscheint ein Magazin und zum Jahresende 2011 eine umfassende Dokumentation über das Projekt The Apparatjik Light Space Modulator in Zusammenarbeit mit dem Büro NODE Berlin Oslo.


    Quelle: Neue Nationalgalerie Berlin / Projektleitung The Apparatjik Light Space Modulator


    http://www.norwegen.no/en/News…pace-Modulator-in-Berlin/


    Der erwähnte Ticketshop ist hier zu erreichen:


    http://www.apparatjik-tickets.com/tickets/


    Die haben da offensichtlich jetzt auch eine Hotline mit Dt. Rufnummer geschaltet.


    Für Fragen und Bestellwünsche haben wir zusätzlich eine Hotline geschaltet.
    Diese ist von 10:00–16:00 Uhr Montag bis Freitag unter der Nummer 01805–88 00 15 zu erreichen.
    Ein Anruf kostet bundesweit aus dem Festnetz 14 Cent pro Minute
    und aus dem Mobilfunk max. 42 Cent/Min.


    [I]Des Weiteren steht auf der Ticketshop-Seite beim Reiter "Lieferung und Versand" das hier:


    Der Versand der Tickets erfolgt ausschließlich per E-Mail kostenfrei.
    Sie erhalten mit der E-Mail ein angehängtes PDF_Dokument, welches Sie ausdrucken und am Abend der Veranstaltung zusammen mit Ihrem Ausweis vorlegen.
    Vor Ort werden die Tickets mittels des aufgedruckten Barcodes entwertet und Sie erhalten ein Originalticket, welches Sie dann zum Eintritt berechtigt.


    Alle Ticketpreise unseres Onlineshops beinhalten die deutsche Mehrwertsteuer.
    Unsere Rechnungen werden immer in EUR ausgestellt.
     
    http://www.apparatjik-tickets.…0f48bb085015e9e9b60e4d210


    Dann werden die Tickets ja offensichtlich doch per E-Mail zugestellt:kratz:.

  • Apparatjik TV
    KLANG UND AUSSTELLUNG - Wenn Mitglieder von Codplay, a-ha und Mew ihre Köpfe zusammenstecken, wird es interessant. Bei der Zusammenarbeit entstand das Künstlerkollektiv Apparatjik. Nach gemeinsamen Musikaufnahmen zieht es Apparatjik nun ins Museum. Im Mittelpunkt ihres ersten großen Projekts steht eine Art magischer Kubus. Er dient als Projektionsfläche für Bilder und Videos und interagiert unmerklich immer stärker mit seinem Betrachter. Denn was der Kubus in den zwei Wochen in der Neuen Nationalgalerie erlebt, gibt er am Ende dem Publikum preis (bis 27.3). Eintritt 8, erm. 4 Euro, bis 18 Jahre frei. Konzerte: 12.3., 26.+27. 3., 21 Uhr, Eintritt 29 Euro.
    http://www.zitty.de/apparatjik-tv.html

  • [IMG:http://www.qromag.com/images/s…/apparatjikinterviewL.jpg]


    magne-interview im qro-magazin, 10.03.2011:



    Last year, when Apparatjik's debut LP, We Are Here (QRO review) was released worldwide, more interest was given to the makeup of this unusual supergroup, rather than what was actually on the album. Comprised of four successful musicians, Jonas Bjerre (lead singer of Mew - QRO live review), Magne Furuholmen (keyboardist of a-ha - QRO live review), Guy Berryman (bassist of Coldplay - QRO album review), and Martin Terefe (one of the top 10 producers of hits on the Billboard Hot 100 Charts), few have wondered - how long could this ‘side project’ go on before they return to their ‘day jobs’? Well, except for Furuholmen - since a-ha has officially retired on their 25th anniversary with a yearlong tour around the world last year.
    While Apparatjik's electro-pop songs don't break any new grounds, their debut performance at Transmediale in Berlin last year was definitely unconventional by pop music standards. The four musicians performed inside a cube, while digital images gracing the exterior confronted the crowd. While many bands utilize projections during their shows, Apparatjik's approach bended the conventional space of stage, causing shift in time and motion of a traditional concert going experience.
    In an effort to spread the word about Apparatjik's upcoming series of performances and exhibition at the Nationalgalerie in Berlin this month, QRO came up with few questions to wrap our heads around this enigmatic collective. And following are answers sent via email by Magne Furuholmen (Magne A - the members of Apparatjik all have the last initial of A).

    QRO: How did the four musicians come together to form Apparatjik? 
    Magne A: In this universion, Apparatjik formed for the purpose of supporting Bruce Parry's ‘tribes project’ for Survival International (a fundraising album, Amazon - Tribe - Songs for Survival, in which Apparatjik contributed with a song, "Ferreting"). About four months later we met up for an ill-fated skiing trip, damn near killing Jonas and putting the rest of us to shame. This turned into an impromptu recording session the likes of which none of us has ever experienced. In another version we have not even met yet.
    QRO: Is there a manifesto? If so, what is it? 
    MA: The manifesto is changing, but key to the Apparatjik spirit is that we do not allow ourselves to be negative to each other's input, and there should always be plenty of room for error.
    QRO: Why is it critical that there is no alpha male in Apparatjik? 
    MA: Incorrect info - on the contrary, Apparatjik has four alpha males all sucking on estrogen to become better collaborators and to avoid prostate cancer.
    QRO: Besides Jonas A., who else sings - i.e. who sings "In a Quiet Corner"? 
    MA: Magne A sings on "A Quiet corner". He also sings on busy corners, on occasion. Everyone in Apparatjik sings everywhere. All songs are amalgamations. As for lead vocals, Guy A sings on "Electric Eye" and Martin A on "Supersonic Sound". You know you wanted to know.


    QRO: Does Max Tegmark (a cosmologist and professor of physics at MIT, sited as Apparatjik's hero) know of Apparatjik? 
    MA: Max Tegmark is to Apparatjik what Ron. L. Hubbard never was to the scientologists. He not only knows of Apparatjik but has met Apparatjiks on various occasions. Through Max we become Apparatjik, through Apparatjik Max Tegmark becomes a star.


    QRO: Have you guys all had interest in quantum theory before the formation of this group? 
    MA: Yes.
    QRO: How did the invitation from Nationalgalerie Berlin come about, and what is your role in this event? 
    MA: A lot of voodoo was involved. And persuasion. And begging. And bribery. But finally we gave in.
    QRO: How will the performance for Light Space Modulator differ from the last year's debut at the Club Transmission?  
    MA: The performance at the Transmediale was our first. Back then we did not need to discipline ourselves to behave amateurishly - it came naturally. Now we are in danger of becoming professional, so we have taken steps to revert this process. It will be different. There is no undo button.


    QRO: I understand that there will be a comprehensive documentation of this project. In what format will this be? 
    MA: Books, limited editions, DVD, CD, vinyl, poster, box, a fashion line - send your preferred choice to outland/ZIM3010.com. There will also be an olfactory documentation in the form of a perfume titled "The Sweet Smell of Success" and a memory bank. :grin:


    QRO: Has Apparatjik evolved from its original idea? 
    MA: Everything evolves, but some things evolve organically. We do not.
    We are mutating faster than even epigenetics allow. We are like a benign form of cancer: out of control, but not hurting anyone.
    QRO: How vital is the fan/audience participation in the existence of Apparatjik? 
    MA: Everyone is an Apparatjik!

    Apparatjik has been invited by the Nationalgalerie Berlin to present the collective's first large-scale project in Germany in March 2011. Apparatjik is a trans-disciplinary working collective founded in 2008 by four world-renowned musicians: Apparatjik functions as an experimental platform and collaborates with a pool of artists, media technicians, and designers, as well as scientists such as Astrophysics Professor Max Tegmark of the Massachusetts Institute of Technology (MIT) and curator and Associate Professor Ute Meta Bauer, Head of the MIT Program in Art, Culture and Technology.


    The Apparatjik Light Space Modulator consists of an installation and three audiovisual performances presented in the glass hall of the Neue Nationalgalerie, and is inspired by the visual experiments of Bauhaus professor László Moholy-Nagy. Both the installation and performances feature moving images that project from a large scale cube into the open glass structure of the building into the city space, a reference to the Moholy-Nagy's kinetic Licht-Raum-Modulator created in 1930.


    The Apparatjik Light Space Modulator incorporates low-res retro-futuristic visuals, gonzo-pop, randomness and pseudo-science, dada-esque humor, and fashion, in a celebration of convergence culture. Apparatjik's blend of popular culture and playful references to art history places them in a space somewhere between art and entertainment. Last but not least, this project by Apparatjik is to be understood as homage to the legendary Meta-Musik-Festival that took place during the seventies at the Neue Nationalgalerie Berlin.


    Apparatjik's project will conclude on March 27 with a special interactive composition performed in collaboration with the Deutsches Kammerorchester and dedicated to Bauhaus artist Mies van der Rohe on the occasion of the 125th anniversary of his birth. Van der Rohe was the architect of the Neue Nationalgalerie Berlin.


    The Apparatjik Light Space Modulator will be accompanied by a publication in collaboration with NODE Berlin Oslo to be published in late 2011 including a comprehensive documentation of this project. 

    The Apparatjik Light Space Modulator
    13-27 March 2011


    Mon Closed.
    Tue, Wed, Fri 10am-6pm.
    Thu 10am-10pm. Sat, Sun 11am-6pm.
    Performances
    March 12, March 26, and March 27, 2011, at 9 pm.
    Tickets are available at apparatjik.com 
    Neue Nationalgalerie Berlin
    Kulturforum Potsdamer Platz
    Potsdamer Strasse 50
    10785 Berlin

  • http://www.welt.de/print/die_w…17/Bauhaus-als-Farce.html


    Answers are death, questions are life
     (M. Harket, 15. September 2007)

  • http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/fazit/1410073/


    Hirschgeweihe und verspiegelte Helme


    "The Apparatjik Light Space Modulator" in der Neuen Nationalgalerie Berlin


    Besonders der strenge und von lauter gläsernen Wänden umgebene oberirdische Pavillon der Neuen Nationalgalerie Berlin gilt als für die Kunst kaum bespielbarer Ort, und Udo Kittelmann, ihr aktueller Direktor, sucht seit seinem Amtsantritt redlich nach zeitgemäßen Kunst-Lösungen für das Gebäude.



    Apparatjik wirken auf den ersten Blick eigentlich wie eine gelungene Überraschung. Der illuminierte Kubus, den sie in der Raummitte des riesigen Obersaales der Neuen Nationalgalerie platziert haben, spiegelt sich bei Dunkelheit in den umgebenden Glaswänden. Die ersten Licht- und Soundsequenzen zeigen in einer gefälligen Kollage die Lichter der Großstadt, die sich so über die tatsächlichen Lichter der Umgebung am Kulturforum und dem Potsdamer Platz legen.


    Eine Idee, für die vielleicht auch ein Laszlo Moholy-Nagy Sympathien entwickelt hätte, auf dessen Licht-Raum-Modulator von 1930 sich Apparatjik zumindest ideell mit ihrer Installation beziehen wollen. Der Licht-Raum-Modulator war ein von dem Bauhaus-Lehrer erfundenes Gerät, bei dem mechanisch sich drehende Teile unter wechselnder Beleuchtung Schattenspiele und den beständigen Wechsel von Formen bewirkten und so wie ein dynamisches abstraktes Theater wirkten. Apparatjik hatten nun die Idee, in der Kombination von Moholy-Nagys Schattenspielen und Mies van der Rohes kubischer Architektur eine neue, populäre Interpretation des Bauhaus-Gedankens zu geben, wie Guy Berrymen erläutert, der im Hauptberuf eigentlich Bassist der Band Coldplay ist:


    "Was Sie inhaltlich bei der Show sehen werden, entstammt dem Zusammenspiel einer ganzen Reihe verschiedener Disziplinen aus Kunst, Architektur, Wissenschaft, Musik und Mode. Lauter Dinge, die wir während unserer Zusammenarbeit gesammelt und auf die wir bei dem Produktionsprozess geantwortet haben. Nehmen wir nur die Diagramme, die man ganz am Anfang auf den Flächen des Kubus sieht. Sie wurden von Max Tegmark geschaffen, der ein bekannter Astrophysiker ist, von dessen Theorien wir einiges gelesen und den wir dann für dieses Projekt mehrmals interviewt haben."


    Max Tegmark zählt zu den Begründern einer neuen Theorie von Soundwellen im Universum, was zum futuristisch angehauchten Look der Band ganz gut passt. Ob jeder diese Theorie auch versteht, ist eine andere Frage. Vieles vom Auftritt der Band hat etwas Zitathaftes. In einem Einspielvideo ironisieren sich die vier Bandmitglieder selbst mit gemorphten Gesichter und übergroßen Augen, während sie klassische Allerweltstatements aus der sendungsbewussten Welt der Kunstszene abgeben. Eigentlich kein schlechter Anfang. Dann marschieren sie durch das Publikum auf den Kubus zu, in Kostümen, die mit ihren Hirschgeweihen, ihren verspiegelten Helmen und den Roboterbewegungen wie eine Mischung aus Laibach, Kraftwerk und Daft Punk wirken. Martin Terefe:


    "Natürlich ist das hier ein außerordentlicher Ort für einen Auftritt, und im übrigen auch der größte, an dem wir bislang in dieser Formation je aufgetreten sind. Im Vergleich mit unserem Auftritt bei der transmediale 2010 ist es schon eine größere Herausforderung, schon allein um die technische Umsetzung zu lösen."


    Auf dem Berliner Medienkunstfestival transmediale hatte Udo Kittelmann die Performance der vier vergangenes Jahr gesehen und war auf die Idee gekommen, mit ihnen anlässlich von Mies van der Rohes 125. Geburtstag einen weiteren Versuch zu unternehmen, die Neue Nationalgalerie für ein jüngeres, vielleicht noch nicht restlos für Kunst interesiertes Publikum zu öffnen. Guy Berrymen:


    "Eine Menge Leute sind natürlich der Ansicht, dass wir eigentlich nicht hier hineingehören, und in gewisser Hinsicht stimmen wir ihnen auch zu. Unser Projekt fällt irgendwie zwischen alle Kategorien. Es ist kein reines Kunstprojekt, aber auch nicht wirklich ein Musikprojekt. Es ist schwer einzuordnen. Wir erkunden und fordern heraus die Art und Weise, wie die Leute uns wahrnehmen. Deswegen ist die Tatsache, dass wir gerade in diesem Haus hier auftreten auch so etwas wie eine ständige Frage an das Publikum, die wir in den Köpfen auslösen wollen."


    Nach einem hoffnungsvollen Beginn steigen also die Musiker in den leuchtenden Kubus und machen sich ans Musizieren. Von innen werden ihre Schatten auf die Oberflächen des Kubus projiziert, doch die Illusionen über eine Wiederauferstehung der großen Zeiten von Laibach oder der Band Bauhaus zerstieben in diesem Moment ziemlich jäh. Über eine leicht experimentelle Version von A-ha-Sounds der 80er-Jahre kommen Apparatjik leider nicht hinaus. Vielleicht sollte Udo Kittelmann den Leuchtkubus für die Nationalgalerie einfach öfter ausleihen und sich einen Berater für gute experimentelle Popmusik holen. Den Versuch wäre es wert.

  • http://www.taz.de/1/berlin/taz…%2Fa0141&cHash=876d40c295


    Eine Supergroup im Würfel


    MUSEUMSPOP Geschäfte zwischen Coldplay- und A-ha-Effekten: "Apparatjik" in der Neuen Nationalgalerie Berlin


    Ein Künstlerkollektiv ist zu Gast in der Neuen Nationalgalerie zu Berlin. In der oberen Haupthalle ließ es einen sechs Kubikmeter raumgreifenden Kubus errichten, dessen Seiten mit Filmleinwänden überzogen sind. Im ausgeschalteten Zustand schimmert das Gebilde silbrig matt, ansonsten dient es für optisch unverbindliche Video- und Lichtprojektionen. Eigentlich nichts Außergewöhnliches. "The Apparatjik Light Space Modulator" will allerdings mehr sein als eine würfelförmige Videoarbeit.


    Hinter dem Kollektiv Apparatjik stecken nämlich vier Musiker, die man normalerweise mit anderen kreativen Ausdrucksformen als Multimediakunst in Verbindung bringt: Guy Berryman verbringt seine Arbeitszeit in der Regel als Bassist der Londoner Indie Rock-Stars Coldplay, Magne Furuholmen verdingte sich als Keyboarder von a-ha, dem zuverlässigen Popexport Norwegens, während Jonas Bjerre beim dänischen Rocktrio Mew singt. Martin Terefe schließlich hat als Produzent unter anderem Platten von a-ha und anderen Popgrößen betreut.


    "Licht-Raum-Modulator" mit Musik


    Apparatjik ist also das, was man in der Branche eine Supergroup nennt. Die Frage, was das alles mit Installationskunst zu tun haben soll, ist da durchaus berechtigt. Der "Light Space Modulator", den man in dem von Mies van der Rohe entworfenen Museum bewundern kann, will zunächst einmal eine Hommage an den Bauhaus-Architekten sein, der in diesem Jahr 125 Jahre alt wird, sowie an seinen Akademie-Kollegen László Moholy-Nagy, der 1930 ein Gerät entwarf, das er "Licht-Raum-Modulator" nannte. Seine Konstruktion hatte freilich die bescheidenen Ausmaße von 120 Zentimetern Seitenlänge und arbeitete mit Glühbirnen.


    Der ungleich größere Würfel von Apparatjik, der in Zusammenarbeit mit Künstlern, Medientechnikern und Designern entwickelt wurde, hat gegenüber seinem Vorbild den klaren Vorteil, dass man darin mühelos eine komplette Supergroup unterbringen kann, die dort dann tut, was sie sonst auf einer Bühne verrichtet: Musik spielen. Das tun Apparatjik auch, zwar nicht ununterbrochen, aber immerhin an drei Konzertterminen. Am 27. März, zugleich dem Geburtstag Mies van der Rohes, werden sie eigens mit dem Deutschen Kammerorchester spielen. In der übrigen Zeit muss man mit der audiovisuellen Installation vorliebnehmen. Zu ihrem ersten Konzert am Samstag blieben Apparatjik unter sich. Man trat in silbernen Paillettenanzügen, Gasmasken und Helmen mit Rentierhörnern in Erscheinung.


    Die Mühe hätten sie sich im Grunde sparen können, denn die Musiker verschwanden ohnehin kurz darauf im Kubus, wo sie dann nur gelegentlich von Scheinwerfern als Schatten in Szene gesetzt wurden. Ansonsten sah man bunte Computerbilder, die mal hübsch abstrakt ornamental, mal albern-verspielt cartoonesk gerieten und eine Vorliebe für die grob gepixelte Ästhetik früher Computergrafik erkennen ließen, jedoch selten mehr als eine rein dekorative Funktion erfüllten. Als eine "Visualisierung von Kunst" hat Nationalgalerie-Direktor Udo Kittelmann die Installation auf der Pressekonferenz bezeichnet. Was er damit gemeint haben könnte, blieb indes auch bei diesem Auftritt im Dunkeln.


    Bombast-Hymnen


    Zu der Musik selbst lässt sich nicht viel Überraschendes sagen. Apparatjik spielen eine Mischung aus Indie Rock und synthesizergestütztem Pop, wie man sie von den Beteiligten erwarten darf. Funken sprühen dabei keine. In ihrem Sound herrscht die klebrig-träge Heulsusigkeit vor, mit denen Coldplay ihre Bombast-Hymnen garnieren. Die ganze Bauhaus-Ummantelung kann dabei nicht kaschieren, dass hier ein paar Profistadionrocker eine Alternative zu ihrem Berufsalltag suchen. Furuholmen etwa gab zu Protokoll, die Situation im geschlossenen Kubus würde etwas anderes mit ihnen machen als der direkte Sichtkontakt zum Publikum. Wer wollte das bestreiten?


    Doch so schön die Erfahrung für die beteiligten Musiker auch sein mag, die Art der Inszenierung ändert nichts daran, dass das Ergebnis dürftig ausgefallen ist. Das Publikum, Kunstbeflissene gesetzteren Alters und jugendliche Popenthusiasten, quittierte das Geschehen mit artigem Applaus. Kreischende Teenager waren jedenfalls keine zugegen. Wie sagte doch ein Besucher so treffend: "Das ist schlechter Synthiepop."


    TIM CASPAR BOEHME


    The Apparatjik: "Light Space Modulator", Neue Nationalgalerie Berlin, bis 25. März; weitere Konzerte: 26. und 27. März

  • Hatten wir das schön? Verliere so langsam den Überblick.


    http://www.artnet.de/magazine/…iew-mit-magne-furuholmen/


    Interview mit Magne Furuholmen


    Complicate your life!


    Gesine Borcherdt


    11. März 2011


    Magne Furuholmen, Künstler und Keyborder der 2010 aufgelösten Pop-Band a-ha aus Norwegen, fährt im Smart electric vor. Er parkt direkt vor dem Berlin-Mitte-Asiaten Monsieur Vuong, mitten im Parkverbot, wie uns später ein Strafzettel belehrt. Dass Furuholmen, blond und struppig gestylt, im türkisfarbenen Hemd und mit ebensolchen Augen, nächstes Jahr 50 wird, erscheint ebenso abwegig wie die Tatsache, dass a-has erster Hit Take on Me vor 26 Jahren Musikvideogeschichte schrieb. Was kaum jemand weiß: Furuholmen ist auch Künstler. Seit seiner Jugend zeichnet, malt und druckt er und stellt regelmäßig in Galerien und Institutionen aus. In Berlin tritt er nun mit dem Künstlerkollektiv Apparatjik auf, zu dem neben anderen Musikern wie Guy Berryman von Coldplay auch Filmemacher, ein Astrophysiker und die Kuratorin Ute Meta Bauer zählen. Nachdem die Gruppe letztes Jahr auf der transmediale.10 zum ersten Mal aufgetreten war, hatte Udo Kittelmann sie kurzerhand in die Neue Nationalgalerie eingeladen. Hier zeigt Apparatjik am 12., 26. und 27. März jeweils verschiedene, einigermaßen unvorhersehbare Performances, die eine spielerische Verbindung von Musik, Raum und Licht hervorbringen. Im Zentrum steht ein großer Kubus, in dem die Gruppe spielt – inspiriert von László Moholy-Nagys Licht-Raum-Modulator. artnet sprach mit Furuholmen über die Sehnsucht nach Chaos, die Zwänge des Erfolgs und die Tatsache, dass Morten Harket ihn bis heute nicht versteht.


    artnet: Neben Ihrer Karriere als Musiker arbeiten Sie auch als Künstler – ebenfalls in einer Gruppe, dem Künstlerkollektiv Apparatjik, das letztes Jahr zum ersten Mal auf der Transmediale auftrat und nun eine Performance in der Neuen Nationalgalerie zeigt. Können oder wollen Sie nicht alleine arbeiten?


    Magne Furuholmen: Für mich ist die Idee der Kooperation sehr natürlich. Ich habe immer mit anderen zusammengearbeitet, seit meiner Jugend – nicht nur in der Band, sondern auch mit meiner Kunst. Allein beim Drucken oder beim Produzieren von Skulpturen brauche ich ja schon Hilfe.


    Künstler und Popstar gleichzeitig sein, geht das überhaupt?


    Ich habe lange versucht, meine Erfahrungen aus der Popmusik und aus dem Kunstbereich zu trennen. Als Celebrity wird man ja schnell kritisiert oder zumindest nicht ernst genommen, wenn man plötzlich Kunst macht. Um 2006 herum habe ich dann begonnen, mein Umfeld in meine künstlerischen Projekte mit einzubeziehen. Zunächst bei meinem ersten musikalischen Soloprojekt, da hatte ich eine Gruppe an Leuten, die mit mir arbeiteten, alle mit ganz verschiedenen Hintergründen. Ich begann, in Galerien Musik zu machen, wobei ich die Wände mit Projektionen bespielte. Wie bei Apparatjik war das alles ganz low-tech, ich benutzte beispielsweise Projektoren oder Echtzeit-Animationen. Ich mag es, den ganzen professionellen Kram wegzulassen. Für mich begann da eine mentale Reise zu dem Punkt, an dem ich fühlte, dass ich gerne künstlerisch in einer richtigen Gruppe arbeiten würde, in der ich meinen professionellen Hintergrund und Musikerkarriere gänzlich hinter mir lassen kann.


    Wie ist dann die Gruppe Apparatjik zustande gekommen?


    Wir kannten uns alle schon. Mit Martin Terefe hatte ich schon vorher zusammengearbeitet, als Solokünstler und mit a-ha. Mew (Jonas Bjerre, d. Red.) habe ich in Russland kennengelernt, wo ich eine Ausstellung kuratiert habe. Irgendwann kooperierten wir für eine Charity-Aktion und trafen uns in Kopenhagen, wo wir von Mitternacht bis 7 Uhr morgens einen Song schrieben und aufnahmen. Das war alles sehr spontan und frei, wir genossen die Energie, die wir einander gaben. Der nächste Schritt war dann, dass ich die Jungs nach Norwegen zum Skifahren einlud. Und innerhalb von 10 Tagen hatten wir ein Album aufgenommen. Da merkten wir, dass wir in all unseren anderen Konstellationen viel zu stark Teil der Maschine waren, die wir selbst gebaut hatten. Wir versuchten also, eine Spontaneität auszuleben, die uns sonst nicht möglich war.


    Wie kam es überhaupt zu Ihrem Schritt in den Kunstbereich?


    Mit 15 war ich sehr damit beschäftigt, Musik zu machen, Gedichte zu verfassen zu zeichnen. Dabei kam auch in Kontakt mit Bildender Kunst, denn ich begann, im Henie-Onstad Art Center, einem Kunstzentrum nahe Oslo zu arbeiten – ganz in der Nähe von dort, wo ich heute lebe. Es ist eines der wichtigsten transdisziplinären Kunstzentren der 1960er und 70er-Jahre. Sogar John Cage und Karlheinz Stockhausen kamen dorthin. Ich wurde also in eine Welt hineingeworfen, von der ich gar nicht wusste, dass sie überhaupt existiert – ich traf Leute wie Yoko Ono oder David Hockney. Mein Job war die Technik, ich baute Installationen und hing Bilder auf. Ich wuchs also dort hinein und sah, wie ernst die Künstler ihre Sache nahmen. Das hat mich sehr geprägt.


    Aber am Ende haben Sie sich doch für die Musik entschieden?


    Mein Vater war Musiker gewesen und früh gestorben, das ist wohl ein Grund, warum ich mich hauptberuflich der Musik widmete. Aber die Parallele zur Kunst war immer da – ich besuchte sogar Kunstklassen in London, verkaufte Zeichnungen auf der Straße. Aber es war klar, dass die Musik damals im Fokus stand. Dann wurden wir plötzlich mit a-ha sehr berühmt, da war ich 23. Mein Leben änderte sich total, plötzlich stand ich nicht mehr im Zentrum, sondern das Produkt. Also mietete ich ein kleines Atelier, wo ich ab und zu malen konnte und arbeitete sehr ernsthaft mit Malerei und Zeichnung – also mit etwas, dass außerhalb der Struktur war, die ich mit aufgebaut hatte. Dann traf ich Arve Opdal, ein Bekannter, mit dem ich im Kunstzentrum zu tun gehabt hatte. Er kannte meine Arbeit von früher kannte und war inzwischen Galerist. Das war auf dem Höhepunkt des Erfolgs mit a-ha, also 1987/88. Ich hatte damals das dringende Bedürfnis, mich auf die Kunst zu konzentrieren. Und so schlug er mir vor, doch mit der Musik aufzuhören und mich ganz der Kunst zu widmen. Also richtete er mir meine erste Einzelausstellung aus, wobei er fand, dass alles, was ich auf meinen Reisen gezeichnet hatte – auf Briefumschlägen, Servietten, Flugtickets – interessanter war als meine Bilder. Wir machten eine Show und es zog mich hinein in die Kunstwelt. Seitdem hatte ich immer wieder Ausstellungen überall in Norwegen. Die Kunst ist also schon lange ein Teil von mir. Kunst und Musik liefen parallel, aber wie gesagt, ich legte Wert darauf, das eine nicht mit dem anderen zu vermischen.


    Aber heute ist das anders – Apparatjik kombiniert ja Elemente aus beiden Bereichen.


    Ja, Apparatjik macht für mich heute Sinn. Hier vermischen sich sogar noch mehr Disziplinen – Kunst, Musik, Wissenschaft, Film – zu einer Art Gesamtkunstwerk. Die Idee des Definierens, wie sie heute überall existiert, ist so ziemlich das Gegenteil dessen, was wir wollen. Wir versuchen gerade, das zu vermeiden.


    Ist es dieser interdisziplinäre Ansatz, mit dem Sie sich am Bauhaus orientieren?


    Die Idee, sich aufs Bauhaus und László Moholy-Nagy zu beziehen, kam in der großen Moholy-Nagy-Ausstellung im Martin-Gropius-Bau, die den gesamten Innenhof bespielte. Sie inspirierte uns. Es gibt ja in der Musik dieses Konfrontationsmoment von Bühne und Zuschauerraum. Das Publikum versteht also sofort, was es zu tun hat, und man selber weiß es auch. Das ist eine ziemlich isolierende Angelegenheit. Wir versuchen nun, diese Beziehung viel spielerischer zu gestalten, wobei wir versuchen, jedes Mal anders aufzutreten. Wir schaffen also eine offene Plattform, bei der wir unsere Kollegen, Freunde und das Publikum mit einbeziehen. Dann gibt es da noch diesen halbtransparenten Kubus in der Größe von 6 x 6 Metern, mit dem wir gerade arbeiten – wir treten ja in seinem Innern auf. Er ist inspiriert von Moholy-Nagys Licht-Raum-Modulator. Dessen Idee wird allerdings auf den Kopf gestellt: Statt eines Monoliths, der Bewegungen auf den Wänden kreiert, kreiert die Umgebung, also das Publikum, Sound und Licht. Wir inszenieren also eine Installation, bei der das Publikum praktisch in grafische Rotationen und in Noten übersetzt wird. Und ein weiterer Bauhaus-Bezug ergibt sich natürlich durch den Mies van der Rohe-Bau. Am 27. März, dem 125. Geburtstag von Mies van der Rohe, werden wir sogar das Deutsche Kammerorchester in unsere Performance mit einbeziehen. Insgesamt arbeiten wir also sehr interaktiv, das Publikum interagiert mit uns, und wir arbeiten mit einer Überwachungskamera, aus deren Bildern wir hinterher die besten Momente herausfiltern und wieder verwenden. Es ist also oft Zufall im Spiel, der aber hinterher kanalisiert wird.


    Es scheint, als versperrten Sie sich dem Bild eines einsam arbeitenden Künstlers, dem ja viele heute noch entsprechen.


    Ja, ich denke, so etwas ist eine veraltete Sicht auf die künstlerische Arbeitsweise. Ich bin viel eher fasziniert von Künstlern wie Olafur Eliasson, die mit einem ganzen Stab von Mitarbeitern agieren. Es ist viel komplexer und bereichernder, sich in einer Geben-und-Nehmen-Situation zu befinden. Ich hatte nie Angst davor, meine Ideen mit anderen zu teilen.


    Häufig einigen sich Kollaborationen aber auch auf bestimmte Grundsätze, die dann wie ein Korsett wirken.


    Ja, Manifeste sind selbstzerstörerisch. Sobald man sich nach ihnen richtet, ist man festgefahren. Keiner von uns bei Apparatjik sucht nach einer zweiten Karriere. Es ist eine Befreiung, sich außerhalb aller Einordnungen zu bewegen. Dennoch stellt sich natürlich immer als erstes die Frage, wie man seine Aktivitäten finanziert. Wir haben zunächst alles aus eigener Tasche bezahlt. Dann hatten wir das Glück, Unterstützer zu finden – wie die Deutsche Bank und Smart.


    Durch Sponsoren wird man allerdings sehr schnell auf etwas festgelegt.


    Ja, deshalb denken wir auch gerade darüber nach, wo wir als nächstes auftreten können – auch außerhalb des Kunstkontextes, denn schließlich waren wir nun auch schon in der Serpentine Gallery. Wir versuchen, nicht in die Definitionsfalle zu tappen, aber das hat auch seinen Preis. Denn die meisten Leute reagieren ja auf Wiederkennungseffekte. Aber so erreichen wir ein ungemein breites Spektrum an Interessenten – Kuratoren oder Kritiker, die die Kunst extrem hoch halten, und Leute, die mit der meisten Kunst nichts anfangen können. Für mich ist diese Arbeitsweise eine kreative Notwendigkeit. Denn so beginnt man zu sehen, wie die Dinge funktionieren. Ich sehe das als Lernprozess.


    Empfinden das die anderen Mitglieder von Apparatjik genauso?


    Jeder von uns interessiert sich für den unbekannten Faktor im System, diese Unvorhersehbarkeit, die sich einstellt, wenn Menschen aus unterschiedlichen Bereichen zusammen kommen. Wir begrüßen die Leidenschaften jedes einzelnen auf der Plattform. Ute Meta Bauer zum Beispiel ist eine der offensten Personen, die ich kenne. Wir haben einen konfrontativen Austausch, den ich sehr fruchtbar finde. Ich schätze mich sehr glücklich, dass ich solchen Input bekomme. Ich war nie in einer Situation, in der man so viele verschiedene Persönlichkeiten treffen kann.


    Die meisten, die wie Sie einmal mit einer Sache erfolgreich waren, entwickeln einen Tunnelblick, der sie bei immer demselben Rezept bleiben lässt – was im künstlerischen Bereich tödlich ist. Sie versuchen also immer wieder, daraus auszubrechen?


    Ja, hatte das Gefühl, der Tunnelblick würde meinen Geist töten. Ich fühlte mich eingeengt. Ich bevorzuge das Chaos, für mich ist das Schönheit.


    Woher kommt dieser ausgeprägte Freiheitsdrang? War der schon immer in Ihnen angelegt oder kommt er aus den Erfahrungen im Musikbusiness, in dem man bestimmte Dinge von Ihnen erwartet hat?


    Ich denke, das ist so in mir angelegt. Ich war immer derjenige, der auf der Sandburg herumhüpft, die er gerade gebaut hat. Ich versuche, gegen meine gängige Praxis oder mein Training anzuarbeiten und befreie mich immer wieder von etwas, das ich einmal etabliert habe. Apparatjik hat denselben Ansatz. Die Aufführungen sollen sich nicht wiederholen und das Publikum ist direkt mit der Gruppe verbunden, die eine unglaubliche Bandbreite an künstlerischen Herangehensweisen vorweisen kann. Das ist sicher ein Grund, warum sich manche Leute fragen, wieso wir überhaupt in einem Museum wie der Neuen Nationalgalerie auftreten dürfen. Sie meinen, dass wir da nicht hingehören. Und sie haben wahrscheinlich recht. Aber das bringt uns zu der Frage: Wer gehört denn dorthin? Solche Debatten sind sehr wichtig für uns.


    Wie nehmen denn die Jungs von a-ha das auf? Verstehen die, was Sie machen?


    Wir sind in vielen Dingen sehr unterschiedlich und haben alle sehr verschiedene Herangehensweisen an Kunst. Es ist schwierig, jemanden, mit dem man lange eng zusammengearbeitet hat, plötzlich mit anderen Augen zu betrachten. Vielleicht denken Morten Harket und Pål Waaktaar-Savoy, ich würde an einer zweiten Karriere arbeiten. Doch mir wäre es lieber, sie würden die Tatsache bemerken, dass ich genau die Dinge hinter mir lasse, in denen ich stark bin. Das würde ihnen meiner Meinung nach ebenfalls guttun. Sie arbeiten immer noch mit Musik, beide auf ihre Weise… Aber es gibt kein wirkliches Interesse für Neues. Ich sehe ihre Ambitionen, aber keine Neugier. Wir haben allerdings nie darüber gesprochen. Das einzige, das Pål einmal dazu sagte, war: „Morten und ich haben über Dich geredet – aber wir verstehen Dich einfach nicht!“


    Vielleicht fühlen sich die beiden vom Erfolg einfach nicht so eingeengt wie Sie?


    Wichtig ist, dass ich selber weiß, was mich auffrisst: Stillstand. Und der kommt mit dem Erfolg, leider. Ich hatte das Glück, sehr erfolgreich zu sein, aber es bedeutet nur dann etwas, wenn man offen für Veränderung bleibt und nicht nur den Erfolg herumzeigt. Man muss ihn demontieren oder verändern können.


    Also muss man sich eine kindliche Sicht auf die Welt bewahren?


    Ich glaube, es ist sehr schwer, ein Kind in einer Erwachsenenwelt zu sein. Rastlosigkeit hilft schon. Ich will kein Kind sein, sondern das absorbieren, was außerhalb von mir selbst ist.


    Ist Apparatjik denn so etwas wie ein Wendepunkt in Ihrem Leben?


    Apparatjik ist für mich eine Art Gärtnerexperiment, bei dem man viele verschiedene Samen am Wegesrand aufsammelt und am Schluss nicht mehr weiß, welcher Samen zu welcher Pflanze gehört. Dann gräbt man sie ein und schließlich erwächst ein Baum mit völlig verschiedenen Blüten daraus – die völlig unvorhersehbar waren. Aus dem eigenen Erfolg auszubrechen, hat viel mit Selbstdisziplin zu tun. Ich weiß zwar, was man tun muss, damit etwas funktioniert. Aber irgendetwas in mir sträubt sich gegen den Erfolg, ich fühle mich begrenzt und spüre einen extremen Freiheitsdrang. Ich glaube, das empfinden wir alle bei Apparatjik ähnlich. Nehmen Sie Coldplay: Definitiv die erfolgreichste Band der Welt. Warum würde jemand, der gewohnt ist, in Luxushotels zu wohnen, bewusst weit unter seine Standards gehen? Außerdem stecken wir alle viel Geld in Apparatjik und bekommen vergleichsweise wenig Aufmerksamkeit. Da gibt es kaum etwas, um das Ego zu kitzeln. Der einzige Grund, das zu tun, was wir tun, ist, dass es einem erlaubt, ein bisschen freier zu atmen. Diese Feier des Unvorhersehbaren und die Chemie, die wir miteinander entwickeln, ist der Reiz daran. Apparatjik hängt außerdem von keinem von uns ab, es ändert sich ständig. Wie der Baum, der in diesem Jahr solche, in nächstem Jahr jene Blüten trägt. Manche Samen sind vielleicht heute nicht aufgegangen, aber sie kommen dafür ein anderes Mal. Es ist natürlich schwierig, diese Wandelbarkeit aufrecht zu erhalten. Aber wir arbeiten ständig gegen die Gefahr an, uns zu institutionalisieren. Wir haben kein System oder Management. Wenn es Probleme gibt, ist es Dein Job, sie zu erledigen. Das Ganze ist also sehr hektisch.


    Jede Performance sieht also anders aus?


    Wir haben Live-Elemente und vorab aufgenommene Elemente, visuell und musikalisch. Wir versuchen aber, sie immer anders zu behandeln. Das ist der Gegensatz zu typischen Pop-Konzerten. Bei den meisten geht es nur darum, das Publikum glauben zu machen, dass alles hier und jetzt passiert. Dabei kommt das meiste vom Band, jeden Abend auf gleiche Weise. Ich kann das auch, ich habe das mi a-ha oft gemacht. Aber nochmal: Es hat mit Selbstdisziplin zu tun, aus den Regeln, die man selbst mit geschaffen hat, auszubrechen. Die Illusion des Abstands zwischen Bühne und Zuschauerraum zu überwinden ist von enormer Bedeutung, damit ein Konzert nicht langweilig wird. Wenn ich in dem Kubus spiele, kann ich sehr spontan handeln und machen, was ich will. Im Kubus gibt es ein eigenes, kleines Leben. Damit brechen wir die Erwartungen des Publikums. Allein die Tatsache, dass man uns nicht sehen kann, ist schon ein Bruch. Allerdings kennen nun manche Leute den Kubus bereits. Schon in dem Moment, in dem wir letztes Jahr damit in die Neue Nationalgalerie eingeladen wurden, wussten wir, dass wir ihn danach opfern müssen, weil er sonst zum Markenzeichen wird. Wir versuchen also, genau das zu unterwandern, was andere Aufrecht halten wollen.


    Das klingt extrem anstrengend.


    Das ist das Problem mit Interviews, sie enden oft sehr selbstreflexiv… Vielleicht kann man die Leute in zwei Kategorien aufteilen: Die einen wiederholen das, was sie tun, mit wenigen Veränderungen. Sie werden gerne wiedererkannt. Aber ich fühlte mich immer hingezogen zu Menschen, die in völlig verschiedenen Bereichen arbeiten und gerne Neues ausprobieren.


    In der Musik lässt sich aber Wiederholung fast nicht vermeiden, um einen wiedererkennbaren Sound zu erzeugen und damit den nächsten Hit zu produzieren.


    Ja, mit a-ha haben wir unsere anfängliche Formel geändert und den kommerziellen Preis dafür bezahlt. Das hatten wir nicht erwartet. Gegen Ende haben wir dann die alten Strukturen wieder aufgegriffen. Ich finde es völlig legitim, auf Vorhandenes zurückzugreifen und eine Kreisbewegung zu vollziehen. Aber ich lehne es ab, statisch zu bleiben.


    Pablo Picasso hat ja zum Schluss auch wieder figurativ gemalt.


    Ich glaube, alle bei Apparatjik haben hier mehr als alle Jahre zuvor gelernt. Obwohl die vorherigen oder parallelen Erfahrungen natürlich unerlässlich waren. Wir wissen, dass die eine Sache wie a-ha klingt und die andere wie Coldplay, aber das Ding irgendwo dazwischen ist Apparatjik. Das ist ein fragiler Bereich, der uns sehr viel lehrt. Wir haben nicht mal einen Ehrgeiz, auf ein bestimmtes Ziel zuzusteuern. Irgendwohin führt uns Apparatjik schon, aber wir wissen nicht, wohin.


    Was hat es denn mit dem eingangs erwähnten Album auf sich?


    Das ist eine Art Disco-Album, das Martin (Terefe, d. Red.) gerade zusammenmixt – was etwas absurd ist, weil keiner von uns in Clubs geht, geschweige denn tanzen kann. Aber wir wollen eben etwas machen, in dem wir vielleicht nicht wirklich gut sind. Es sind unsere Einstellungen, die die Dinge formen, nicht unsere Fähigkeiten. Dieses Album funktioniert vielleicht nicht in Clubs, sondern irgendwo anders. Genau das ist das unvorhersehbare Moment.


    Gibt es denn überhaupt irgendeinen Ablaufplan für die Performance in der Neuen Nationalgalerie?


    Nur, weil das Museum gerne einen hätte. Und die Jungs von der Technik müssen ein wenig gebrieft werden. Ansonsten wissen wir einfach nicht genau, was passieren wird. Wir haben das Rohmaterial und die Struktur spätestens einen Tag vorher, aber die Bearbeitung ist spontan, work in progress – also bewusst unkommerziell. Das ist alles ziemlich stressig, aber genau das wollen wir ja.


    Also im Grunde macht Apparatjik nichts von dem, was heute üblich ist: Keine roter Faden, keine Effizienz, keine Markenwiedererkennbarkeit. Das Gegenteil von Simplify your Life?


    Genau. Wir vermeiden Effizienz wo immer wir sie wittern. Complicate your life!


    „The Apparatjik Light Space Modulator” – Neue Nationalgalerie, Berlin. Performances am 12. März, 26. März, 27.März 2011. Installation „Apparatjik TV“ vom 13.März bis 25.März 2011

  • Vier gegen Mies


    Schattenspiele im Glastempel: Das Kollektiv Apparatjik übernimmt die Neue Nationalgalerie in Berlin. Die Supergruppe aus Mitgliedern von Coldplay, A-ha und Mew hat in den Mies-van-der-Rohe-Bau einen Kubus gestellt, in dem sie Konzerte gibt. Ironischer Bezug zu den Idealen der Moderne? Magne Furuholmen, Ex-Keyboarder von A-ha, gibt Auskunft.


    Herr Furuholmen, wie ist die Band Apparatjik entstanden?
    Wir alle kannten Martin Trefe, den Produzent von A-ha und meinem Solo-Album. Martin hat „Survival international“, eine Charity Veranstaltung, produziert. Das war das erste Mal, dass wir alle vier zusammen kamen. Wir haben uns in Kopenhagen um Mitternacht getroffen und um sechs Uhr morgens hatten wir den Song geschrieben und aufgenommen. Das war ein Gefühl von: Wow, das passiert uns nie, wenn wir in unseren „normalen“ Projekten sind. Da geht alles sehr langsam, weil jeder das Sagen hat. Und hier haben wir einfach jeder unsere Idee in den Raum geworfen und alles ist direkt auf einen Punkt zusammen gelaufen.


    War der Kubus, in dem Sie auftreten, der Light-Space-Modulator, Teil der Grundidee?
    Wir wussten am Anfang gar nicht, was wir tun würden. An einem Punkt dachten wir, wir wären ein Ski-Team, aber das hat nicht funktioniert, wir waren nicht gut genug. Wir sind professionelle Musiker, und wir wollten einen Schritt weiter gehen. Ich arbeite schon seit zehn Jahren als bildender Künstler und hatte keine Lust mehr die beiden Dinge voneinander fernzuhalten. Wir sind alle von Natur aus transdisziplinär, es ist aufregend, wenn du Dinge zusammenführst. Jonas zum Beispiel macht diese wunderbaren Animationen. Der Kubus ist für uns eine Art Verbindungstück, eine Möglichkeit Musik zu präsentieren.


    Das Publikum, das außerhalb des Würfels steht, sieht nur Ihre Schatten. Ist dieser Raum auch eine Art Schutz für Sie?
    In gewissem Maße ist es ein Schutz. Es erlaubt uns, mehr zu wagen. Wir führen darin so eine Art seltsames Theater auf, wir hüpfen herum, machen Musik, zeigen Filme. Es ist ein bisschen, als hätten wir uns eine kleine Sandbox gebaut, die uns beschützt. Wir sind alle Berühmtheiten und als Menschen so ungeschützt. Es ist auch eine Weise, das Mysterium wieder aufzubauen. Wie gehen wir damit um, wie ist die Beziehung zu einer berühmten Person? Wie können wir genau das auf den Kopf stellen?


    Wenn die Leute kommen, um uns zu sehen, brechen wir dann damit ihre Erwartungen?
    Aber Sie spielen im Kubus der Nationalgalerie, ein Symbol für Transparenz!
    Wir haben nur Ja gesagt, weil es so absurd ist. Aber auch wegen Mies van der Rohe. Ich hab mal eine Bauhaus- Ausstellung im Martin-Gropius-Bau gesehen und ich war fasziniert von Moholy-Nagys ursprünglichem Light Space Modulator. Es war klar, dass wir das bei Apparatjik hineinnehmen wollten.


    Empfinden Sie es als befreiend, die Grenzen zwischen Musik und Kunst zu übertreten?
    Eine Definition dessen, was wir hier machen, würde das Projekt zerstören. Ich wette, dass es für Musikfans schwierig sein wird, das als Musik anzuerkennen, und für Kunstfans wird es vor allen Dingen Musik sein. Wir entwerfen genauso Mode, wir klauen aus der Literatur, aus Filmen … Haben Sie zum Beispiel das Auto draußen gesehen? Wir sind zwei Tage damit durch Berlin gefahren und haben die Stadt durch die Spiegel gefilmt. Das war ursprünglich eine Idee von László Moholy-Nagy. Olafur Eliasson hat bereits einen wunderbaren Film aus dieser Idee gemacht, und wir produzierten so eine Art einfache Ausführung davon.

    Was sind Ihre Pläne für die Zukunft?

    Wir suchen nach weiteren Möglichkeiten der Komposition. Wir arbeiten an einer Idee, mit einem App fürs iPhone, Reiserouten beim Autofahren aufzunehmen. Das GPS-System arbeitet dabei wie ein Keyboard. An dem Light Space Modulator hier haben wir Überwachungskameras angebracht, mit denen die Bewegungen der Besucher aufgezeichnet und in Noten übersetzt werden. Am 27. März wird das Ganze vom Deutschen Kammerorchester Berlin aufgeführt. Es ist Mies van der Rohes 125. Geburtstag. Eine Art Tribut an ihn.


    http://www.monopol-magazin.de/…tionalgalerie-berlin.html

  • das war ja mal interessant zu lesen... auch in Bezug auf Morten und Pal (wobei ich sie verstehen kann), aber bei dem Drang nach Neuem und dieser Rastlosigkeit bin ich doch von seiner Frau begeistert, die das alles so mit ihm mitmacht. Ist bestimmt nicht leicht mit so einem Menschen.

  • Mein Empfinden beim Lesen ist allerdings, dass er sich dann in der a-ha Welt aber "eingeengt" gefühlt haben muss oder?
    Denn a-ha waren für mich wenig experimentierfreudig, neu oder rastlos.
    Beispiel: wie so Konzerte aufgebaut sind. Da kam ja nie was sonderlich überraschendes, da kam nie ein experiementierfreudiger Musiker durch, sondern ein Programm. Stellt sich mir die Frage:
    a) beschränkt sich seine Experimentierfreudigkeit vielleicht nur auf seine anderen Projekte oder b) konnte er sich damit bei a-ha nicht durchsetzen, weil auch noch ein paar andere Köpfe mitreden ? Schwierig, aber ich finde er beschreibt sich (zumindest in meinen Augen) da ganz anders als was ich bei a-ha als Output erlebt habe und wenn dem so ist, dann ist für ihn "stop a-ha" die absolut logische Erklärung.

    Answers are death, questions are life
     (M. Harket, 15. September 2007)

  • Das einzige, das Pål einmal dazu sagte, war: „Morten und ich haben über Dich geredet – aber wir verstehen Dich einfach nicht!“


     
    Mal abgesehen davon, das dies wahrscheinlich auf Gegenseitig aller beruht, bin ich beruhigt, das ich nicht die einzige bin die Mags oder seine Kunst, auf was auch immer sich das bezieht nicht versteht.:grin:
     
    Ich finde es immer wieder interessant wenn Künstler darüber reden ausbrechen zu wollen. Den Drang mal etwas anderes zu machen haben wir wahrscheinlich alle, aber das RL sieht für uns Normalsterbliche auch anders aus als für einen Herrn Furuholmen. Der kann es sich ja leisten all das zu machen wonach ihm ist. Wenn er davon leben müsste, würde es sicher auch anders aussehen. Da hatte er Glück, das a-ha erfolgreich genug waren damit er sich auf den Nebenschauplätzen austoben konnte.
     
    Keine Ahnung wie groß der Zuspruch bei seiner Kunst ist, ob sich genug Leute handgemalte Buchstaben ins Wohnzimmer hängen. Auch von Apparatjik könnte er mit Sicherheit nicht leben (und das sich überhaupt jemand dafür interessiert ist zum Teil auch uns zu verdanken weil wir alle ihm zu Liebe hingehen:-P). Von daher ist es immer schön zu lesen, das er ausbrechen muss und Stillstand schrecklich wäre.
    Ich würde auch lieber zu Hause sitzen, heute ein Buch schreiben und wenn mir das zu langweilig wird das Haus neu einrichten und mich als Innenausstatter betätigen. Leider hab ich keine Fans im Hintergrund und muss so wie alle anderen jeden Morgen zur Arbeit gehen.:roll:

  • Mal abgesehen davon, das dies wahrscheinlich auf Gegenseitig aller beruht, bin ich beruhigt, das ich nicht die einzige bin die Mags oder seine Kunst, auf was auch immer sich das bezieht nicht versteht.:grin:
     
    Ich finde es immer wieder interessant wenn Künstler darüber reden ausbrechen zu wollen. Den Drang mal etwas anderes zu machen haben wir wahrscheinlich alle, aber das RL sieht für uns Normalsterbliche auch anders aus als für einen Herrn Furuholmen. Der kann es sich ja leisten all das zu machen wonach ihm ist. Wenn er davon leben müsste, würde es sicher auch anders aussehen. Da hatte er Glück, das a-ha erfolgreich genug waren damit er sich auf den Nebenschauplätzen austoben konnte.
     
    Keine Ahnung wie groß der Zuspruch bei seiner Kunst ist, ob sich genug Leute handgemalte Buchstaben ins Wohnzimmer hängen. Auch von Apparatjik könnte er mit Sicherheit nicht leben (und das sich überhaupt jemand dafür interessiert ist zum Teil auch uns zu verdanken weil wir alle ihm zu Liebe hingehen:-P). Von daher ist es immer schön zu lesen, das er ausbrechen muss und Stillstand schrecklich wäre.
    Ich würde auch lieber zu Hause sitzen, heute ein Buch schreiben und wenn mir das zu langweilig wird das Haus neu einrichten und mich als Innenausstatter betätigen. Leider hab ich keine Fans im Hintergrund und muss so wie alle anderen jeden Morgen zur Arbeit gehen.:roll:


    Das hast du aber schön gesagt (!!!) und bringst es genau auf den Punkt :thatsit:


    :danke:

  • Wohl wahr meine Liebe j-lo :)
    Eine Barbara Becker kann ja auch nur Schmuck, Pilates oder Möbel designen + 50x am Tag Sport machen, weil sie sich in einem öffentlichem Gericht im Amiland vom Bobbele hat scheiden lassen :-P
     
    Diese Leute sind alle in der glücklichen Lage das zu tun, wonach ihnen gerade ist, ohne sich darüber einen Kopf zu machen, ob sie davon ihr Brot morgen zahlen können.
     
    Auch ein Morten ist so. Zusammengefasst sagte er damals, es gibt keine Termine, keine Zeit, keinen Tisch, nichts existiert. Und Geld ist nur Papier :-P Als ich dann entgegnete, dass ich am Montag zur Arbeit muß, mein Schreibtisch da leider steht und mein Chef wartet und mein Vermieter sich über seine Miete in Form von Papier freut, schwuppssss....schon hatten wir zwei Realitäten :thatsit:
     
     
    Und wenn wir ganz ehrlich sind: (fast) keiner von uns würde zu Magne, dieser Kunst gehen, wenn es nicht Magne wäre. Und schon jetzt zeichnen sich ja Tendenzen ab, dass einige sagen: danke, 1x reicht. Wegen seinem Status als a-ha Magne kaufen wir Bilder, Bücher, Buchstaben. Aber wir würden uns nur sehr eingeschränkt dafür interessieren, wenn es einfach nur Magne Furuholmen aus Nesoya in Norwegen wäre, ohne Backround. Andere Buchstaben verkaufende Menschen in Norwegen kenne ich nämlich auch nicht.
    Ich finde es gut, dass man seinen Horizont dadurch erweitert bekommt, dass haben a-ha auch in anderer Hinsicht geschafft (z.B. in Bezug auf Norwegen), aber so richtig der Kunst wegen geht da wohl fast keiner von uns hin (Ausnahmen bestätigen die Regel ;))

    Answers are death, questions are life
     (M. Harket, 15. September 2007)

  • :grin::grin: Frauke, ich hätte dieses Gespräch zu gerne mitbekommen und Mortens Gesichtsausdruck gesehen! Aber ich schliesse mich grösstenteils Deiner Meinung an. Obwohl ich die Musik, die sie machen gut finde und das auch weiter verfolgen werde. Ich denke, er hatte bei a-ha einfach nicht genug "Gewicht" um Dinge beeinflussen zu können und man wollte nicht experimentieren. Ich bin mir aber sicher, wenn Magne hätte entscheiden können, wären sicherlich Änderungen gekommen. Auch den Freiheitsdrang kann ich gut nachvollziehen. Keiner hat es gern in ein "Korsett" gepresst zu werden und weil er eben auch die Möglichkeit hat, andere Dinge zu tun, kann ich mir schon vorstellen, das ihn das immer gereizt hat.